Harry Styles

Harry Edward Styles (n. 1 de febrero de 1994, Holmes Chapel, Cheshire, Reino Unido) mejor conocido como Harry Styles, es un cantante y compositor británico, actualmente miembro de la boy band One Direction.[1] Tras audicionar en The X Factor y ser aceptado, la jueza Nicole Scherzinger sugirió que Harry formase parte de un grupo llamado One Direction junto con Zayn Malik, Niall Horan, Liam Payne y Louis Tomlinson. La creación del grupo se hizo realidad y los cinco fueron apadrinados por Simon Cowell. La agrupación llegó a la final del programa y quedaron en el tercer lugar. Aunque no ganaron, Cowell pagó un contrato para que firmasen con el sello discográfico Syco.[2] [3]

Cuando joven, formó una banda llamada White Eskimo junto a sus amigos Haydn Morris, Nick Clough y Will Sweeney de la Holmes Chapel Comprehensive School y ganaron un concurso realizado allí en 2009.[2] Sin embargo, la agrupación se disolvió debido a que Harry audicionó para The X Factor y fue integrado a One Direction, aunque han afirmado que se mantienen en contacto por mensajes de texto.[4] Entre sus influencias musicales, se encuentran la banda Coldplay, el solista Elvis Presley y el actor David Hasselhoff.[2] En su carrera con One Direction, ha compuesto temas como «Taken», «Everything About You», «Same Mistakes», «Back for You» y «Summer Love», pertenecientes a los álbumes Up All Night y Take Me Home.[5] Ha ganado por dos años consecutivos el premio al villano del año en los NME Awards.[6] [7]

 

 

Biografía y carrera musical

1994-2010: primeros años y audición en The X Factor

Harry Styles nació el 1 de febrero de 1994 en el pueblo de Holmes Chapel, ubicado en Cheshire, Reino Unido, bajo el nombre de Harry Edward Styles. Es hijo de Des Styles y Anne Cox, y hermano menor de Gemma Styles. Los padres de Harry se divorciaron cuando él tenía solo siete años y su madre ha comentado que siempre lo ha apoyado en todo.[8] Estudió en la Holmes Chapel Comprehensive School, donde formó su propia banda llamada White Eskimo junto a sus amigos Haydn Morris, Nick Clough y Will Sweeney.[2] En 2009, participaron en la «Batalla de Bandas» y resultaron ganadores.[9] [4] También trabajó en una panadería durante un tiempo.[4]

Aunque siempre mostró interés por la música, ha dicho que también le hubiese gustado ser abogado o fisioterapeuta. Durante un tiempo, tuvo un trabajo de medio tiempo en una panadería de Cheshire. En 2010, Harry audicionó para The X Factor con la canción «Isn't She Lovely» de Stevie Wonder y resultó electo.[2] Por esto, su banda tuvo que separarse. Sin embargo, los amigos de Harry afirman que aún se mantienen en contacto con él por medio de mensajes de texto.[4]

 

2010-presente: One Direction y bases de carrera como solista

Tras audicionar para The X Factor, la jueza Nicole Scherzinger sugirió que Harry formase parte de un grupo llamado One Direction junto con Liam Payne, Zayn Malik, Niall Horan y Louis Tomlinson. La creación del grupo se hizo realidad y los cinco fueron apadrinados por Simon Cowell. Durante la competencia, la banda interpretó distintos temas como «My Life Would Suck Without You» de Kelly Clarkson y «Total Eclipse of the Heart» de Bonnie Tyler, lo que los convirtió en uno de los favoritos para ganar el concurso. Sin embargo, quedaron en el tercer lugar, detrás de Rebecca Ferguson y el ganador Matt Cardle. A pesar de no haber ganado, Cowell pagó un contrato de dos millones de libras para que One Direction firmara con el sello discográfico Syco.[3]

En 2011, lanzaron su primer álbum de estudio, Up All Night. Este debutó en el número uno del Billboard 200, lo que convirtió a One Direction en el primer grupo británico que hace debutar su primer álbum de estudio en el número uno.[3] Su primer sencillo, «What Makes You Beautiful», alcanzó el número uno en Irlanda, México y el Reino Unido.[10] [11] [12] Los sencillos posteriores, «Gotta Be You», «One Thing» y «More Than This», contaron con un éxito moderado, siendo exitosos en algunos países, pero fracasos en otros.[13] [14] [15] Para promocionar el disco, se embarcaron en el Up All Night Tour y sacaron un DVD de la gira, llamado Up All Night: The Live Tour.[16] [17]

En noviembre de 2012, lanzaron su segundo álbum, Take Me Home.[18] Este contó con una recepción mejor a la de Up All Night, ya que llegó al número uno en el Reino Unido, siendo el primer disco del quinteto que lo logra.[12] También alcanzó el primer puesto en Australia, Canadá, los Estados Unidos, Irlanda y Nueva Zelanda.[19] [20] [21] [22] Los dos primeros sencillos de este disco, «Live While We're Young» y «Little Things», tuvieron una buena recepción. El primero, alcanzó el primer puesto en Irlanda y Nueva Zelanda, mientras que el segundo llegó al primer puesto en el Reino Unido.[23] [24] [12] El tercer y último sencillo, «Kiss You», fracasó en ventas en la mayoría de los países y no logró posiciones destacadas en comparación con los dos lanzamientos previos de One Direction.[25] Por otra parte, juntos iniciaron su segunda gira Take Me Home Tour, que recorrió cuatro continentes de todo el mundo y además parte de ella fue grabada para su primera película documental dirigida por Morgan Spurlock, llamado This is Us.[26]

En otras actividades, realizaron un mezcla de «One Way or Another» de Blondie y «Teenage Kicks» de The Undertones llamada «One Way or Another (Teenage Kicks)», con el fin de ayudar a recaudar fondos para la organización Comic Relief.[27] [28] A finales de marzo, pausado el Take Me Home Tour, Harry decidió viajar a Los Ángeles, California, donde pasó parte de su tiempo componiendo y grabando canciones en uno de los estudios Paramount en Hollywood.[29] [30] [31] Sin embargo, amigos cercanos del cantante afirmaron al diario Daily Mirror que la prioridad del cantante era One Direction y que no planea lanzar un disco próximamente.[32] Luego, en abril, el representante de One Direction aseguró que no se encontraba trabajando en un primer disco como solista, sino que simplemente estaba planteando nuevas ideas para el tercer disco del grupo.[

 

Vida personal

El cantante ha confesado que sus mayores influencias son las bandas The Beatles, Coldplay, el solista Elvis Presley y el actor David Hasselhoff.[2] Frecuentemente se le conoce por ser muy mujeriego, ya que ha tenido gran variedad novias, entre estas, la presentadora Caroline Flack, la actriz Emily Atack, la modelo Emma Ostilly y la cantante de country Taylor Swift.[2] [34] Sin embargo, se ha puesto en duda que es homosexual o bisexual, debido a que supuestamente mantiene una relación con Louis Tomlinson, otro miembro de One Direction.[35] Al respecto, Louis ha declarado que al principio era un tema divertido, pero que ahora es difícil de tratar ya que se encuentra saliendo con Eleanor Calder, una estudiante de la Universidad de Mánchester. También añade que él y Harry son simplemente mejores amigos, mientras que Harry, por su parte, no ha declarado nada sobre el tema.[36] Por otra parte, el cantante ha dicho que sufre de ofidiofobia (miedo a las serpientes) y su lema es «trabajar duro, jugar duro, ser amable».[2]

En cuanto a sus múltiples relaciones, se ha dicho que la mayoría han sido de carácter comercial. Su relación con Caroline Flack atrajo la atención de varios medios ya que la diferencia de edad entre ambos era bastante grande.[37] Por otra parte, en enero de 2013, tras la ruptura de Harry y Taylor Swift, hubo un aumento en la venta de los boletos para la segunda gira de One Direction, lo que muchos diarios interpretaron como una estrategia comercial.[38] [39]

 

Discografía

Con One Direction

Álbumes de estudio
EP

 

 

 

Niall Horan

Niall James Horan (Mullingar, 13 de septiembre de 1993) mejor conocido como Niall Horan, es un cantante, compositor y guitarrista irlandés, actualmente miembro de la boy band One Direction.[1] Tras audicionar en The X Factor y ser aceptado, la jueza Nicole Scherzinger sugirió que Niall formase parte de un grupo llamado One Direction junto con Harry Styles, Zayn Malik, Liam Payne y Louis Tomlinson. La creación del grupo se hizo realidad y los cinco fueron apadrinados por Simon Cowell. La agrupación llegó a la final del programa y quedaron en el tercer lugar. Aunque no ganaron, Cowell pagó un contrato para que firmasen con el sello discográfico Syco.[2] [3]

Desde niño, mostró interés por la música luego de que su familia le regalase una guitarra en Navidad. También aspiró ser «un gran nombre», como Beyoncé y Justin Bieber, y cita a Michael Bublé como una de sus más grandes influencias.[4] [5] [6] En su carrera con One Direction, ha compuesto temas como «Taken», «Everything About You», «Same Mistakes», «Back for You» y «Summer Love», pertenecientes a los álbumes Up All Night y Take Me Home.[7] En este último, también tocó la guitarra.[8] En noviembre de 2012, fue nombrado «el miembro más popular de One Direction».[9]

 

Biografía y carrera musical

1993-2010: primeros años y audición en The X Factor

Niall Horan nació el 13 de septiembre de 1993 en la ciudad de Mullingar, Irlanda, bajo el nombre de Niall James Horan. Sus padres, Bobby Horan y Maura Gallagher, se divorciaron cuando tenía solo cinco años, por lo que él y su hermano Greg Horan tuvieron que vivir en la casa de ambos durante un tiempo. Luego, decidieron mudarse definitivamente con su padre.[10] En su infancia, estudió en la escuela primaria St Kenny National School, y en su adolescencia en la escuela católica Coláiste Mhuire, ambas ubicadas en Mullingar.[11] Niall comenzó a tocar la guitarra luego de que su familia le regalase una en Navidad, y según él, es el mejor regalo que ha recibido. Su tía descubrió su talento un día que se encontraba con Niall en un coche y este comenzó a cantar, ella pensó que la radio estaba encendida, pero al darse cuenta que era la voz de su sobrino, notó las gran capacidad vocal de Niall.[4]

A principios de 2010, participó en el concurso Academy 2 con la canción «Baby» de Justin Bieber.[11] Luego, audicionó en el casting de The X Factor realizado en la ciudad de Dublín con la canción «So Sick» de Ne-Yo. Respecto a la audición, Simon Cowell le dijo que: «No eres tan bueno como creía que eras, pero aun así me gustas». Además, Katy Perry votó a favor de que el cantante avanzara a la siguiente etapa, siendo este el voto decisivo para que entrara.[2]

 

2010-presente: One Direction

Tras audicionar para The X Factor, la jueza Nicole Scherzinger sugirió que Niall formase parte de un grupo llamado One Direction junto con Harry Styles, Zayn Malik, Liam Payne y Louis Tomlinson. La creación del grupo se hizo realidad y los cinco fueron apadrinados por Simon Cowell. Durante la competencia, la banda interpretó distintos temas como «My Life Would Suck Without You» de Kelly Clarkson y «Total Eclipse of the Heart» de Bonnie Tyler, lo que los convirtió en uno de los favoritos para ganar el concurso. Sin embargo, quedaron en el tercer lugar, detrás de Rebecca Ferguson y el ganador Matt Cardle. A pesar de no haber ganado, Cowell pagó un contrato de dos millones de libras para que One Direction firmara con el sello discográfico Syco.[3]

En 2011, lanzaron su primer álbum de estudio, Up All Night. Este debutó en el número uno del Billboard 200, lo que convirtió a One Direction en el primer grupo británico que hace debutar su primer álbum de estudio en el número uno.[3] Su primer sencillo, «What Makes You Beautiful», alcanzó el número uno en Irlanda, México y el Reino Unido.[12] [13] [14] Los sencillos posteriores, «Gotta Be You», «One Thing» y «More Than This», contaron con un éxito moderado, siendo exitosos en algunos países, pero fracasos en otros.[15] [16] [17] Para promocionar el disco, se embarcaron en el Up All Night Tour y sacaron un DVD de la gira, llamado Up All Night: The Live Tour.[18] [19]

En noviembre de 2012, lanzaron su segundo álbum, Take Me Home.[8] Este contó con una recepción mejor a la de Up All Night, ya que llegó al número uno en el Reino Unido, siendo el primer disco del quinteto que lo logra.[14] También alcanzó el primer puesto en Australia, Canadá, los Estados Unidos, Irlanda y Nueva Zelanda.[20] [21] [22] [23] Los dos primeros sencillos de este disco, «Live While We're Young» y «Little Things», tuvieron una buena recepción. El primero, alcanzó el primer puesto en Irlanda y Nueva Zelanda, mientras que el segundo llegó al primer puesto en el Reino Unido.[24] [25] [14] El tercer y último sencillo, «Kiss You», fracasó en ventas en la mayoría de los países y no logró posiciones destacadas en comparación con los dos lanzamientos previos de One Direction.[26] Por otra parte, juntos iniciaron su segunda gira Take Me Home Tour, que recorrió cuatro continentes de todo el mundo y además parte de ella fue grabada para su primera película documental dirigida por Morgan Spurlock, llamado This is Us.[27]

En otras actividades, realizaron un mezcla de «One Way or Another» de Blondie y «Teenage Kicks» de The Undertones llamada «One Way or Another (Teenage Kicks)», con el fin de ayudar a recaudar fondos para la organización Comic Relief.[28] [29]

 

Influencias y vida personal

En una entrevista con Digital Spy, Niall citó a Michael Bublé como una de sus principales influencias porque la historia de ambos es similar, ya que Niall fue descubierto por su tía que lo escuchó cantar en un coche y pensó que era la radio, lo mismo ocurrió con Michael Bublé, excepto que a él lo descubrió su padre.[6] En su audición para The X Factor, comentó que le gustaría ser «un gran nombre», como Beyoncé o Justin Bieber.[5] A mediados de agosto de 2012, comenzaron a circular rumores de que Niall estaba teniendo una relación amorosa con la cantante Demi Lovato. De acuerdo con ella, nunca tuvieron una cita sino hasta septiembre con motivo de los MTV Video Music Awards y que todo fue más como una amistad que como un romance. En una entrevista con la revista Now, Niall afirmó que:

«Lo que realmente sucedió fue que siempre decía en mis entrevistas que ella me gustaba y ella decía que yo le gustaba [...] Nos pusimos en contacto por medio de Twitter y empezamos a chatear y nos hicimos amigos».[30]

Niall es zurdo y se muestra como una persona tímida y nerviosa. Según él, sus mejores cualidades son su gran sonrisa, su generosidad y su honestidad. Es claustrofóbico y le tiene cierto miedo a las palomas. Su mujer ideal, según él, es la cantante Cheryl Cole. Ha declarado que es un gran admirador de las bandas de rock, como The Eagles, Bon Jovi, The Script y Coldplay.[11]

 

 

Discografía

Con One Direction

Álbumes de estudio
EP

 

Zayn Malik

Louis Tomlinson

Liam Payne

Katy Perry

Katheryn Elizabeth Hudson (Santa Bárbara, California, Estados Unidos, 25 de octubre de 1984),[6] mejor conocida por su nombre artístico de Katy Perry, es una cantante, guitarrista, compositora y actriz estadounidense. Perry creció escuchando y cantando la música góspel, durante su primer año en la secundaria. En 2007, adoptó el nombre artístico de Katy Perry tras firmar con Capitol Records, su cuarto sello discográfico en siete años de carrera.

Perry obtuvo fama mundial con el lanzamiento de su álbum One of the Boys en 2008, que dio lugar a tres canciones entre el top 10 de Billboard Hot 100, «I Kissed A Girl», «Hot N' Cold» y «Waking Up In Vegas». Perry lo promocionó con su primera gira llamada Hello Katy Tour. En 2010, publicó el álbum de estudio Teenage Dream que encabezó la lista de Billboard 200, y dio lugar a seis sencillos número uno —«California Gurls», «Teenage Dream», «Firework», «E.T.», «Last Friday Night (T.G.I.F.)», «The One That Got Away», «Part Of Me» y «Wide Awake»— estos dos últimos forman parte de la re-edición de Teenage Dream, lo que igualó el récord de Michael Jackson en tener dicha cantidad de sencillos en lograr la máxima posición en la lista estadounidense y la convierte en la primera mujer en la historia en tener este logro. Luego comenzó su segunda gira llamada California Dreams Tour, con fines de promover su siguiente álbum de estudio y la que recaudó casi $60 millones en todo el mundo.[7]

El 22 de octubre de 2013, Perry lanzó su tercer álbum, Prism, el cual debutó directamente en el número #1 de ventas en Estados Unidos y varios otros países. Del disco extraen los sencillos «Roar» —que llegó al primer lugar del Billboard Hot 100—, «Unconditionally», que se posición dentro del Top 20 y «Dark Horse», que cosechó un rápido éxito, incluso antes de ser lanzado como sencillo oficial.

Perry es la única artista en permanecer más de 52 semanas consecutivas en el top 10 de Billboard Hot 100, y desde entonces aumentó esta cifra a 69 semanas no consecutivas.[8] En 2011, MTV la nombró Artista del año.[9] A partir de 2012, Perry ha sido nominada a ocho Premios Grammy. Ha vendido más de 48 millones de canciones en formato digital en los Estados Unidos y más de 11 millones de álbumes en todo el mundo.[10] [11] También formó parte del jurado de American Idol y The X Factor. Ha lanzado fragancias llamadas Purr, Meow! y Killer Queen. Prestó su voz para el personaje animado de Pitufina en Los Pitufos (2011) y Los Pitufos 2 (2013). El 23 de octubre de 2010, Perry contrajo matrimonio con el comediante británico Russell Brand en Rajastán (India), y se divorciaron en diciembre de 2011.

Biografía

1984-2006: primeros años e inicios de su carrera

Katy Perry nació con el nombre de Katheryn Elizabeth Hudson en Santa Bárbara, California.[12] Es la segunda hija de dos pastores evangélicos;[13] tiene una hermana dos años mayor llamada Angela y un hermano cuatro años menor llamado David.[14] Su madre, Mary Hudson, que es evangélica (nacida como Mary Perry) creció en el Sur de California,[14] el padre de Katy, Keith Hudson, fue actor en la Costa Oeste de los Estados Unidos de los años 1960.[14] Katy es la sobrina materna de Eleanor Perry, que fue una guionista, y de Frank Perry, que fue un director de cine, productor cinematográfico y también guionista.[14] Katy tiene ascendencia portuguesa,[15] alemana,[16] irlandesa e inglesa.[17] [18]

Katy se integró al ministerio religioso de sus padres,[13] cantando en la iglesia a la edad de los 9 hasta los 15 años.[19] Creció escuchando solo la música evangélica y no se le permitió escuchar lo que su madre llamaba «la música profana».[20] [19] [21] Katy asistió a escuelas y campamentos cristianos cuando era niña,[13] Katy aprendió a bailar por medio de varios bailarines en un edificio de recreación en Santa Bárbara, aprendió a bailar Swing, Lindy Hop y Jitterbug.[22] En su primer año en la escuela de secundaria obtuvo su certificado como estudiante, posteriormente a la edad de quince años abandonó la escuela, para comenzar una carrera musical.[23] Katy inicialmente comenzó a cantar afirmando que: «Yo estaba en ese momento de mi infancia en que copiaba a mi hermana en todo lo que ella hacía».[23] Su hermana practicaba con cintas de casete y Katy tomaba esas mismas cintas cuando su hermana no estaba en casa. Ensayaba las canciones con sus padres quienes le sugirieron tomar lecciones de canto, ella aprovechó la oportunidad y comenzó a tomar clases a la edad de 9 años. Se inscribió en la Academia de Música del Oeste en Santa Bárbara y estudió ópera italiana por un corto tiempo.[23]

A la edad de 15 años, Katy estaba cantando en la iglesia y atrajo la atención de los expertos de la música rock de Nashville, Tennessee, quienes la llevaron allí para pulir sus habilidades de escritura.[24] En Nashville, Katy comenzó a grabar demos que fueron estudiados por los expertos de la música country para enseñarle a cómo componer canciones y tocar la guitarra.[19] [21] Katy firmó con el sello discográfico de música cristiana Red Hill Records, con el cual grabó su primer álbum a la edad de 15 años,[25] usando su nombre de nacimiento como nombre artístico, en 2001.[14] [24] El álbum no tuvo tanto éxito, luego de que la discográfica dejara de funcionar a finales de 2001.[25] Más tarde, cambió el apellido por el de Perry, el apellido de su madre cuando era soltera, porque Katy Hudson era demasiado similar al nombre de la actriz estadounidense Kate Hudson.[24] [26] A la edad de 17 años, Perry se independizó de sus padres para vivir en Los Ángeles donde trabajó con Glen Ballard en un álbum con la compañía discográfica Island Records.[27] El álbum fue lanzado al mercado en 2005.[24] [25] Pero, Billboard informó que el material discográfico no tuvo éxito.[25] Luego, Katy fue despedida de Island Def Jam Music Group.[14] Algunas canciones de Katy con la colaboración de Glen Ballard como: «Box», «Diamonds» y «Long Shot» fueron publicadas en su página oficial de My Space. «Simple» fue una de las canciones que grabó con Ballard, dicha canción fue lanzada para la banda sonora de la película The Sisterhood of the Traveling Pants de 2005.[28]

Katy firmó un contrato con Columbia Records en 2004. Sin embargo, la discográfica no cumplía las expectativas de Katy, posteriormente ella declaró que: «no fui puesta en el asiento del conductor».[25] Por otra parte, una de las ideas primordiales de Columbia era el trabajo de Katy con el equipo de producción discográfica de The Matrix, quien trabajó en un álbum donde Katy fue la vocalista femenina. Aunque el álbum no fue reconocido mundialmente logró llamar la atención de la prensa musical. Su carrera estaba creciendo poco a poco además fue nombrada en The Next Big Thing en octubre de 2004 por la revista Blender.[29] [25] Katy comenzó a grabar por su cuenta debido a que su agenda estaba libre desde ese entonces, el 80% del trabajo se completó, sin embargo, Columbia decidió congelar el proyecto musical y decidió dejarla fuera de la discográfica.[25]

A la espera de encontrar otra discográfica, ella trabajó en una organización independiente de A&R, en una empresa llamada Taxi Music. En 2006, Perry participó al final del video del sencillo de P.O.D., «Goodbye for Now».[30] Hizo un cameo en el vídeo «Learn to Fly» de Carbon Leaf y en el vídeo «Cupid's Chokehold» perteneciente al grupo de hip hop Gym Class Heroes donde Katy interpretó el amor del actual cantante, Travis McCoy. Sus canciones finalmente capturaron la atención del director ejecutivo de Virgin Records, Jason Flom, quien era jefe de Capitol Music Group, que la contrató para Capitol Records a principios de 2007.[25]

 

Walter Ellias Disney

Walter Elias Disney (Chicago, Illinois, 5 de diciembre de 1901[5] [6]Burbank, California, 15 de diciembre de 1966[7] [8] ) fue un productor, director, guionista y animador estadounidense. Figura capital de la historia del cine de animación, es considerado un ícono internacional gracias a su influencia y sus importantes contribuciones a la industria del entretenimiento durante gran parte del siglo XX. Fundó junto a su hermano Roy O. Disney la compañía Walt Disney Productions,[9] que años después se convirtió en la más célebre productora del campo de la animación y en la actualidad es la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo. Esta corporación, que se conoce hoy con el nombre de The Walt Disney Company, obtuvo solo en el año 2010 unos beneficios de 36.000 millones de dólares.[10]

Disney adquirió renombre como productor de cine, como innovador en el campo de la animación y como diseñador de parques de atracciones. Junto a su equipo creó algunos de los personajes de animación más famosos, en especial Mickey Mouse, una caricatura de ratón a la que el propio Disney puso su voz original. Durante su extensa y exitosa carrera en el cine de animación fue premiado con 26 premios Óscar de un total de 59 nominaciones y recibió otros cuatro premios honoríficos, lo que lo convierte en la persona que más premios de la Academia ha ganado.[11] También fue galardonado con siete premios Emmy. Walt Disney murió el 15 de diciembre de 1966 a causa de un cáncer de pulmón.

Primeros años

Walt Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois, hijo de una limpiadora e hijo ilegítimo de un médico, se trasladó de bebé a Chicago, Illinois donde su madre biológica lo dió en adopción[12] [13] . Tuvo la infancia típica del hijo de un granjero. Su padre, Elías Disney (1859-1941), de antepasados irlandeses,[14] había llegado a Estados Unidos desde Canadá y se había instalado en Chicago poco después de contraer matrimonio con la maestra de escuela Flora Call (1868—1938), en 1888. Walt nació en 1901, siendo el cuarto de los cinco hijos del matrimonio.[15] En 1906 —según algunos, huyendo de la creciente criminalidad existente en Chicago—,[16] la familia se trasladó a una granja en las cercanías de Marceline, Misuri. Más adelante, Disney diría que esos fueron los años más felices de su vida. Tanto él como su hermana menor, Ruth, eran demasiado pequeños para ayudar en las labores de la granja, pasaban la mayor parte del tiempo jugando. De esta época datan los primeros escarceos de Disney con el dibujo y su gran afición por los trenes.

Este período idílico concluyó pocos años después. En 1909, Elías Disney cayó repentinamente enfermo de fiebres tifoideas, y, a pesar de contar con la ayuda de sus hijos mayores, se vio imposibilitado de continuar trabajando en la granja. La vendió a regañadientes, y la familia vivió en una casa alquilada hasta 1910, año en que se mudaron a Kansas City. Para el joven Disney fue muy duro tener que abandonar su paraíso rural.

En Kansas City, Elías empezó a trabajar repartiendo periódicos para el Kansas City Star. A Walt y a su hermano Roy les correspondió ayudar a su padre en el reparto, un trabajo duro que requería levantarse todos los días a las doce de la noche.

De acuerdo con los archivos de la escuela pública del distrito de Kansas City, Disney empezó a asistir a la Benton Grammar School en 1910, y se graduó el 8 de junio de 1911. No fue un buen estudiante: a causa de su trabajo repartiendo periódicos, le costaba concentrarse y con frecuencia se quedaba dormido. Era propenso a soñar despierto y a pasar el tiempo haciendo garabatos.

Elías dejó su trabajo como repartidor de periódicos y se convirtió en uno de los propietarios de una empresa dedicada a elaborar bebidas carbonatadas, la O'Zell Company, radicada en Chicago. La familia se trasladó a esta ciudad, y Disney continuó sus estudios en la McKinley High School de Chicago. Al mismo tiempo, trabajaba para su padre y asistía por las tardes a clases en el Instituto de Arte de Chicago.

A los 15 años, Walt consiguió un trabajo de verano vendiendo periódicos y chucherías a los pasajeros del ferrocarril de Santa Fe. Le interesaba mucho más el tren que su trabajo, en el que no tuvo demasiado éxito, ya que con frecuencia le robaban la mercancía.

En sus años escolares, Disney fue el historietista del periódico del instituto, The Village Voice. Sus cómics eran de tema patriótico y político, centrados en el tema de la Primera Guerra Mundial. En 1918, queriendo seguir los pasos de su hermano Roy, que se había enrolado en la marina, abandonó el instituto para alistarse en el ejército. No fue aceptado por ser demasiado joven. Enterado de que el cuerpo de ambulancias de la Cruz Roja admitía a chicos de diecisiete años, Walt falsificó su certificado de nacimiento para hacer ver que había nacido en 1900 en lugar de en 1901, y había cumplido ya los diecisiete.

Fue admitido, pero nunca llegó a entrar en combate. Cuando terminó su entrenamiento y fue trasladado a Europa, Alemania había firmado el armisticio, y la guerra había terminado. Pasó el resto de su tiempo en la Cruz Roja como conductor de ambulancias en Francia, trasladando a oficiales. Se entretuvo llenando de dibujos la ambulancia que conducía. Fue también en esta época cuando empezó a fumar, un hábito que le acompañaría durante toda su vida. En 1919 solicitó ser relevado de sus obligaciones militares y fue enviado de regreso a Estados Unidos.

Comienzos en la animación

Decidido a seguir una carrera artística, se trasladó a Kansas City. Su hermano Roy trabajaba en un banco por la zona y, gracias a un amigo, le consiguió un trabajo en el Pesemen-Rubin Art Studio, donde Walt se dedicó a crear anuncios para periódicos, revistas y cines. Allí coincidió con otro dibujante, Ubbe Iwwerks, con el que trabó amistad, y ambos decidieron empezar su propio negocio.

Disney e Iwwerks (quien acortó su nombre a Ub Iwerks) fundaron una compañía llamada "Iwerks-Disney Commercial Artists" en enero de 1920. Por desgracia, no consiguieron demasiados clientes, y finalmente tuvieron que abandonar. Ambos fueron contratados por la empresa Kansas City Film Ad, en la que trabajaron en anuncios, realizados con primitivas técnicas de animación, para los cines locales. Disney estaba fascinado por las posibilidades de la animación. Pasó varios días en la biblioteca pública de Kansas City hojeando libros de anatomía y mecánica. Leyó también un libro de Eadweard Muybridge acerca de la animación. Aprovechó su tiempo en Film Ad experimentando con animación y técnicas cinematográficas. Incluso tomó prestada una de las cámaras de la empresa para experimentar en casa.

Después de dos años en Film Ad, Disney creyó que había adquirido la experiencia suficiente como para emprender un nuevo negocio por su cuenta. En 1922, fundó la empresa Laugh-O-Gram Films, Inc., dedicada a realizar cortometrajes animados basados en cuentos de hadas populares y relatos para niños, como Cenicienta o El gato con botas. Entre sus empleados estaban Iwerks, Hugh Harman, Rudolph Ising, Carmen Maxwell, y Friz Freleng. Los cortos se hicieron famosos en la zona de Kansas City, pero sus gastos de producción excedían a los ingresos que proporcionaban.

Tras crear su último corto, la mezcla de acción real y animación Alice's Wonderland, el estudio se declaró en bancarrota en junio de 1923. Disney decidió entonces trasladarse al floreciente centro de la industria cinematográfica, Hollywood. Vendió su cámara y obtuvo el dinero suficiente para un viaje de ida en tren a California. Dejó atrás a sus amigos y antiguos empleados, pero se llevó con él la película de Alice's Wonderland.

Llegó a Los Ángeles con cuarenta dólares en el bolsillo y una película sin acabar en su maletín. Su propósito era abandonar el cine de animación, creyendo que no podría competir con los estudios de Nueva York. Pretendía convertirse en director de películas de acción real, y recorrió sin éxito todos los estudios buscando trabajo.

Al no encontrarlo, optó por volver a intentarlo con la animación. Su primer estudio en Hollywood fue un garaje en casa de su tío Robert. Envió la película Alice's Wonderland a la distribuidora neoyorquina Margaret Winkler, quien mostró un gran interés por la película y contrató a Disney para producir más películas combinando animación e imagen real.

Se reunió con su hermano Roy, que se estaba recuperando de una tuberculosis en un hospital de veteranos de Los Ángeles, y le convenció para que se encargase de la gestión económica del estudio. Roy estuvo de acuerdo. A petición de Disney, la actriz protagonista de Alice's Wonderland —Virginia Davis— y su familia se trasladaron a Hollywood desde Kansas City. Lo mismo hicieron Iwerks y la suya. Este fue el comienzo del Disney Brothers' Studio, el germen de la futura The Walt Disney Company.

Las nuevas películas, llamadas "Comedias de Alicia" ("Alice Comedies"), tuvieron bastante éxito. Después de Virginia Davis, quien dejó la serie al no aceptar Disney las exigencias de aumento salarial de sus padres, fueron protagonizadas por las actrices Dawn O'Day y Margie Gay. Más adelante Lois Hardwick asumió brevemente el papel. Por el tiempo en que concluyó la serie, en 1927, el centro de atención eran más los personajes animados —en particular un gato llamado Julius que recordaba al gato Félix—.

 

Oswald el conejo afortunado

En 1927, Charles B. Mintz, que se había casado con Margaret Winkler y había tomado las riendas de su negocio, solicitó una nueva serie de películas, solo de animación, que serían distribuidas por Universal Pictures de Carl Laemmle. La nueva serie, "Oswald el conejo afortunado", fue un éxito casi instantáneo. El personaje fue creado y dibujado por Iwerks. Su éxito permitió el crecimiento del estudio, y Walt pudo volver a contratar a Harman, Ising, Maxwell y Freleng, de Kansas City.

En febrero de 1928, Disney viajó a Nueva York para negociar un nuevo acuerdo económico con Mintz, pero se llevó una gran sorpresa cuando éste le anunció que no sólo iba a pagarle menos por cada cortometraje que produjera, sino que tenía a los principales animadores de Disney —incluyendo a Harman, Ising, Maxwell y Freleng (pero no a Iwerks)— bajo contrato, y que crearía su propio estudio si Disney no aceptaba trabajar por menos dinero. Los derechos de Oswald pertenecían a Universal y no a Disney, y podían hacer las películas sin él.

Disney rechazó la imposición de Mintz y perdió a la mayor parte del personal de su estudio. Los que se fueron formaron el núcleo del Winkler Studio, dirigido por Mintz y su cuñado George Winkler. Sin embargo, Universal asignó poco más tarde la producción de las películas del conejo Oswald a una sección de su propia empresa que dirigía Walter Lantz, y Mintz tuvo que dedicar su estudio a la producción de los cortos de Krazy Kat. Harman, Ising, Maxwell y Freleng crearon un personaje muy parecido a Oswald, Bosko, para Leon Schlesinger y Warner Bros., y empezaron poco después a trabajar en las primeras entregas de la serie Looney Tunes. La compañía de Disney sólo recuperó los derechos sobre Oswald 78 años después, en 2006.[17]

 

Mickey Mouse

Tras perder los derechos sobre Oswald, Disney optó por crear un nuevo personaje. Se discute si la primera idea del ratón animado (que básicamente era igual que Oswald, pero con orejas redondas en lugar de alargadas) fue de Disney, a quien suele atribuírsele, o de Iwerks. En todo caso, ambos participaron en la creación del personaje. Sus primeras películas fueron animadas por Iwerks, cuyo nombre se destaca en los títulos de crédito. Algunas fuentes indican que el ratón iba a llamarse en un principio "Mortimer", pero que más tarde fue bautizado como "Mickey Mouse" por su mujer, Lillian Disney. Según Bob Thomas, sin embargo, la leyenda del nombre es ficticia, y cita el caso de un personaje llamado Mortimer Mouse, que nació en 1936, tío de Minnie Mouse.[18]

La primera aparición de Mickey tuvo lugar el 15 de mayo de 1928 en Plane Crazy, un cortometraje mudo, como todas las películas de Disney hasta esa fecha. Tras no conseguir interesar a los distribuidores por Plane Crazy ni por su continuación, The Gallopin' Gaucho, Disney creó una película sonora, Steamboat Willie. El empresario Pat Powers proporcionó a Disney tanto la distribución de la película como el Cinephone, un sistema de sincronización de sonido. Steamboat Willie se convirtió en un gran éxito, y se añadió sonido a los cortos anteriores. Desde entonces, todas las películas de Disney serían sonoras. El propio Disney se encargó de los efectos vocales de sus primeros cortometrajes y fue la voz de Mickey Mouse hasta 1947.

Mickey Mouse conoció un extraordinario éxito, hasta el punto de que, en 1935, la Sociedad de Naciones premió a Disney con una medalla de oro, declarando a Mickey "símbolo internacional de buena voluntad". En enero de 1930 fue adaptado al cómic, en una tira de prensa con guion de Disney y dibujos de Iwerks. Durante la década de 1930, el mercado se inundó de productos relacionados con el personaje, desde juguetes infantiles y relojes de pulsera hasta un brazalete de diamantes diseñado por Cartier. Numerosas personalidades públicas declararon su admiración por Mickey Mouse, incluyendo a la actriz Mary Pickford, al presidente de Estados Unidos Franklin Delano Roosevelt, a Benito Mussolini e incluso al rey de Inglaterra, Jorge V.[19]

 

Silly Symphonies

Además de los cortometrajes de Mickey Mouse, en 1929 Disney inició una serie de películas musicales titulada "Silly Symphonies" ("Sinfonías tontas"). La primera se tituló The Skeleton Dance ("La danza de los esqueletos"), y fue enteramente dibujada y animada por Iwerks, que fue también el responsable de la mayor parte de las películas producidas por Disney en los años 1928 y 1929. Aunque ambas series tuvieron un gran éxito, el estudio Disney no estaba de acuerdo con compartir las ganancias con Pat Powers, y firmó un nuevo contrato de distribución con Columbia Pictures.

Iwerks se estaba cansando de la posición subalterna que tenía en el estudio a pesar de realizar la mayor parte del trabajo, y se dejó convencer por Powers para abrir su propio estudio con un contrato exclusivo. Disney buscó desesperadamente a alguien que pudiera reemplazarlo, ya que él mismo no era capaz de dibujar tan bien, ni —sobre todo— tan rápido (se dice que Iwerks hacía más de 700 dibujos al día para los cortos de Mickey).

Entretanto, Iwerks lanzaba su exitosa serie sobre el personaje de Flip the Frog con el primer cortometraje de animación sonoro en color, titulado Fiddlesticks. Creó también otras dos series: Willie Whopper y Comicolor. Su éxito amenazaba el predominio que Disney había alcanzado en la industria del cine de dibujos animados.[20]

Disney contrató a varias personas para hacer el trabajo que Iwerks era capaz de hacer en solitario. En 1932, Disney estrenó su primera película en color, Flowers and Trees, de la serie "Silly Symphonies", que consiguió el Óscar al mejor cortometraje de animación en 1932. Ese mismo año, Disney recibió también un Óscar honorífico por la creación de Mickey Mouse, cuyos cortometrajes pasaron a realizarse en color a partir de 1935. Pronto aparecieron series derivadas, protagonizadas por nuevos personajes, como el Pato Donald, Goofy y Pluto.

Vida privada

En 1925, Disney contrató a una joven llamada Lillian Bounds para entintar y colorear el celuloide. Tras un breve noviazgo, se casó con ella el 15 de julio de 1925. Después de intentarlo varias veces, Lillian dio a luz a una hija, Diane Marie Disney en 1933, que muere en 2013.[21] Sin posibilidades de tener más hijos, los Disney adoptaron a una segunda hija, Sharon Mae Disney, en 1936. Sharon dio a luz a Catherine Spitcktip Disney en 1988, y murió en 1993. Lillian falleció el 16 de diciembre de 1997.

La edad dorada de la animación

«La locura de Disney»: Blancanieves y los siete enanitos

Aunque los ingresos del estudio eran muy considerables, no eran todavía suficientes para Disney, quien en 1934 empezó a planear la producción de un largometraje. Cuando en la industria de la animación se supo que Disney planeaba la producción de un largometraje animado sobre Blancanieves, se bautizó al proyecto como "la locura de Disney", y todo el mundo estuvo de acuerdo en que el proyecto terminaría arruinando al estudio. Tanto Lillian como Roy trataron de disuadir a Disney de sus planes. Éste contrató al profesor Don Graham, del Instituto de Arte Chouinard, para que formase a la plantilla del estudio, y utilizó los cortos de la serie "Silly Symphonies" como laboratorio para experimentar acerca de la animación realista de seres humanos, la creación de personajes animados con personalidad definida, efectos especiales, y el uso de procesos especializados y aparatos como la cámara multiplano.

Todos estos esfuerzos iban dirigidos a elevar el nivel tecnológico del estudio para que fuese capaz de producir una película de la calidad requerida por Disney. El proceso de producción de Blancanieves y los siete enanitos ("Snow White and the Seven Dwarfs") se prolongó desde 1935 hasta mediados de 1937, cuando al estudio se le terminó el dinero. Para conseguir los fondos necesarios para completar Blancanieves, Disney tuvo que mostrar un montaje previo de la película a los directivos del Bank of America, quienes le prestaron el dinero para terminar el proyecto. El presupuesto inicial de la película era de 250.000 dólares, pero acabó costando 1.488.000. La película terminada se preestrenó en el Carthay Circle Theater el 21 de diciembre de 1937, y, a su término, recibió una sonora ovación.

Blancanieves, el primer largometraje animado de lengua inglesa, y el primero en utilizar el Technicolor, fue distribuido en febrero de 1938 por RKO. Fue la película con mayor éxito de taquilla de 1938, y obtuvo unos ingresos de 8 millones de dólares (equivalentes a unos 98 millones actuales) en su estreno.

El éxito de Blancanieves permitió a Disney construir unos nuevos estudios en Burbank, que se inauguraron el 24 de diciembre de 1939. En 1940, los estudios produjeron otros dos largometrajes: Pinocho y Fantasía. La segunda, en concreto, constituía una apuesta bastante arriesgada: sin un argumento unitario, consistía en la puesta en imágenes animadas de ocho piezas de música clásica (entre otros, de Beethoven, Bach y Stravinski), al estilo de las "Silly Symphonies". Los resultados fueron bastante irregulares.

Al mismo tiempo, seguían creándose nuevos cortos de las estrellas de la casa (Mickey, Donald, Goofy y Pluto), destacando cortometrajes como El sastrecillo valiente (1938) y The Pointer (1939), ambas protagonizadas por el ratón Mickey. La producción de cortos de la serie "Silly Symphonies" concluyó en 1939.

 

La huelga de 1941

Después de varias tentativas de organización sindical entre los trabajadores de la industria de la animación, en 1938 se había creado el Screen Cartoonists Guild (SCG), sindicato que pronto desarrolló una activa campaña para reclutar afiliados entre los trabajadores del medio. Aunque había sido reconocido por la mayor parte de los otros estudios, Disney se negaba a permitir la afiliación sindical de sus empleados. Por otro lado, desde 1937 existía un creciente descontento entre los trabajadores del estudio. Aunque los empleados de Disney eran los mejores pagados de la profesión, consideraban que se habían incumplido las promesas sobre bonificaciones por el trabajo extra que habían realizado en los largometrajes de la compañía. Películas como Blancanieves habían tenido un éxito sin precedentes en el cine de animación, y los empleados no habían participado de los beneficios (en realidad, Disney se había endeudado con la apertura de los nuevos estudios en Burbank y la producción de los largometrajes Pinocho y Fantasía, que no obtuvieron el éxito deseado). Además, el trabajo de numerosos empleados no era reconocido en los títulos de crédito de las películas.

En 1941, Herbert Sorrell, el principal líder sindical entre los trabajadores de Disney, intentó negociar el reconocimiento del SCG, pero fue rechazado. Animadores que tenían una posición importante dentro de los estudios, como Art Babbitt y Will Tytla, abrazaron la causa de sus compañeros. Disney lo consideró una traición personal, y despidió a Babbitt y a otros 16 trabajadores. El 28 de mayo gran número de trabajadores fueron a la huelga. Esa mañana, cuando Disney llegó a los estudios, los encontró bloqueados por cientos de piquetes de huelga.

A medida que continuaba la huelga, la tensión fue creciendo. El personal de los estudios quedó dividido casi al 50% y hubo varios conatos de enfrentamiento. El propio Disney, según algunos testimonios, estuvo a punto de llegar a los golpes con Babbitt.[22] Poco antes del final de la huelga, Disney, a sugerencia de Nelson Rockefeller, director de la agencia de relaciones con Latinoamérica en el Departamento de Estado, partió de gira a Latinoamérica como embajador de buena voluntad, lo que contribuyó a enfriar los ánimos entre las partes enfrentadas.

Finalmente, Disney, influido por la opinión pública favorable a la huelga, y gracias la mediación del gobierno federal y de varios grupos de presión (entre ellos su principal acreedor, el Bank of America) aceptó reconocer al sindicato. La huelga terminó el 29 de julio, después de nueve semanas. Los trabajadores obtuvieron mejoras salariales y se acordó un sistema para reconocer su trabajo en los títulos de crédito. Sin embargo, el regreso a la normalidad no fue tal, ya que Disney no perdonó nunca a los huelguistas. Algunos fueron despedidos en cuanto la ley lo permitió, y otros optaron por irse ante la hostilidad que vivían en su entorno laboral. Entre los que, por una u otra razón, terminaron por abandonar la compañía estaban Vladimir William Tytla, John Hubley, Stephen Bosustow, Dave Hilberman y Walt Kelly.

La huelga arruinó la imagen de Walt Disney Company como empresa paternalista y armónica que había predominado en los años treinta, pero no disminuyó en absoluto la aceptación de la marca por parte del gran público.[23]

Tiempos de guerra

A pesar de que Pinocho y Fantasía no consiguieron el éxito extraordinario de Blancanieves, la ternurista Dumbo, cuya producción no pudo ser detenida por la huelga, se estrenó finalmente en octubre de 1941, y fue un gran éxito, convirtiéndose en una importante fuente de ingresos para el estudio. Poco después, en diciembre, Estados Unidos entraba en la Segunda Guerra Mundial. Los estudios Disney colaboraron estrechamente con el gobierno, produciendo películas educativas y de formación militar, así como otras encaminadas a elevar la moral en retaguardia, tales como los cortometrajes Der Fuehrer's Face ("El rostro del Führer), Education for Death ("Educación para la muerte"), Reason and Emotion ("Razón y emoción"), y el largometraje Victory Through Air Power ("Victoria a través de la fuerza aérea", 1943), en el que se defendía la idea de que era necesario construir más bombarderos para ganar la guerra.

Sin embargo, los estudios atravesaron una época de cierta estrechez económica. Los filmes propagandísticos no generaban beneficios, y Bambi, el siguiente largometraje de Disney, no produjo los resultados deseados cuando se estrenó en agosto de 1942. Para recortar gastos, durante los años 1940 no se produjeron nuevos largometrajes, sino películas que recopilaban varios cortos. Las más destacadas fueron Saludos Amigos (1942), su secuela Los tres caballeros (1945), Canción del sur (1946), Fun and Fancy Free (1947), y The Adventures of Ichabod and Mr. Toad (1949). Esta última constaba sólo de dos secciones: la primera basada en La leyenda de Sleepy Hollow de Washington Irving y la segunda en El viento en los sauces, de Kenneth Grahame. Con el objeto de rentabilizar sus producciones, Disney tuvo otra gran idea comercial: en 1944 se reestrenó Blancanieves, estableciendo la tradición de reestrenar a los siete años los largometrajes de la compañía.

Después de la guerra, a pesar de la prosperidad que entonces conoció Estados Unidos, los hábitos de consumo cinematográfico cambiaron. Los exhibidores dejaron de interesarse por los cortometrajes, que antes eran indispensables al inicio de toda sesión cinematográfica, y empezaron a demandar sólo largos. Ante esta nueva situación, Disney diversificó su oferta, orientándose hacia la producción de películas infantiles de imagen real (la serie True-Life Adventures, que se inició en 1948), documentales sobre la naturaleza y programas de televisión.

A finales de la década de 1940, el estudio se había recobrado lo suficiente como para continuar con la producción de nuevas películas: La Cenicienta (que fue en vida la película favorita de Walt Disney, en especial, la escena de la transformación del traje de la magia del hada madrina) fue el primer auténtico largometraje producido por los estudios Disney desde Bambi, en 1942. Siguieron Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Ambos filmes fueron muy criticados por edulcorar las obras originales —de Lewis Carroll y James M. Barrie respectivamente—, descartando todos sus elementos perturbadores y convirtiéndolas en fábulas intrascendentes e inocuas.

Walt Disney y la caza de brujas

 

 

 

 

 

 

 

Stefani Joanne Angelina Germanotta

Stefani Joanne Angelina Germanotta (Nueva York, Estados Unidos, 28 de marzo de 1986), más conocida por su nombre artístico Lady Gaga, es una cantante, compositora, productora, bailarina, activista y diseñadora de moda estadounidense. También ha dedicado parte de su vida a la actuación y la filantropía.[3] Nacida y criada en la ciudad de Nueva York, estudió en la escuela Convent of the Sacred Heart y asistió por un tiempo breve a la Tisch School of the Arts, perteneciente a la Universidad de Nueva York, hasta que abandonó sus estudios para enfocarse en su carrera musical. Fue así como irrumpió en la escena del rock en el Lower East Side de Manhattan y firmó un contrato con Streamline Records hacia fines de 2007. En la época en que trabajaba como compositora para dicha discográfica, su voz llamó la atención del artista Akon, quien la hizo firmar un contrato con Kon Live Distribution.

Lady Gaga adquirió fama como artista tras el lanzamiento de su álbum debut, The Fame (2008), que incluye los sencillos «Just Dance» y «Poker Face». El disco tuvo éxito comercial —llegó al primer lugar en numerosas listas de éxitos— y buenas críticas.[4] Tras comenzar su gira The Fame Ball Tour, lanzó el EP The Fame Monster (2009), que contiene las canciones «Bad Romance», «Telephone» y «Alejandro». Su éxito permitió a la cantante realizar su gira de ocho meses de duración Monster Ball Tour, que se considera como una de las series de conciertos con mayores ingresos económicos generados en la historia de la industria musical. Su siguiente álbum, Born This Way (2011), llegó al primer lugar de varias listas de ventas y contiene sencillos como «Born This Way», «Judas», «The Edge of Glory» y «Yoü and I».[5] [6] [7]

Influenciada por David Bowie, Michael Jackson, y Queen, Lady Gaga es reconocida por su sentido estético cambiante y extravagante con respecto a la música, la moda, las presentaciones en directo y los videos musicales. Hacia octubre de 2011, había vendido aproximadamente veintitrés millones de copias de álbumes y 64 de sencillos,[8] de los cuales algunos han sido los más vendidos en el mundo.[9] [10] [11] [12] Los reconocimientos que recibió incluyen cinco premios Grammy y trece MTV Video Music Awards.[13] Figuró consecutivamente como «artista del año» en la revista Billboard y en el cuarto puesto de la lista de VH1 de las «Cien mujeres más grandes de la música», así como en otras listas elaboradas por la revista Forbes y Time, donde la consideran asimismo como una de las personas más influyentes del mundo.[14] [15] Ha lanzado su propia fragancia comercial llamada Fame.[16] Más allá de su carrera como artista, Gaga también se dedica a causas humanitarias y al activismo en favor de la comunidad LGBT.

Biografía y carrera artística

1986-2004: primeros años de vida

Stefani Joanne Angelina Germanotta nació el 28 de marzo de 1986 en Manhattan, en la ciudad de Nueva York.[17] Fue la primera hija del matrimonio conformado por Joseph Germanotta, un empresario de Internet, y Cynthia Bissett.[18] Tiene una hermana llamada Natali, nacida en 1992.[19] Posee ascendencia italiana y, de forma más distante, franco-canadiense.[20] [21] Es zurda; comenzó a tocar el piano a los cuatro años de edad, y a los trece compuso su primera balada.

Criada como católica romana en el Upper West Side en Manhattan, antes de que la familia se mudara de ahí en 1993,[24] [25] Gaga asistió desde que tenía once años al Convent of the Sacred Heart, una escuela católica privada de mujeres ubicada en dicha zona.[26] [27] Pese a la opulencia del Upper West Side, Gaga recalcó que no provenía de un contexto de riqueza y comentó sobre sus padres que «ambos provienen de familias de clase baja, así que hemos trabajado por todo. Mi madre trabajaba de ocho a ocho fuera de casa en telecomunicaciones, lo mismo que mi padre».[28] Se describió a sí misma en su vida académica en su high school como «muy dedicada, muy estudiosa, muy disciplinada» pero también «un poco insegura»; como afirmó en una entrevista: «Solían burlarse de mí por ser demasiado provocativa o demasiado excéntrica, así que comencé a regularlo. No encajaba, me sentía como una anormal».[29] [30] Sus conocidos debaten si ella no encajaba en la escuela. Un antiguo compañero de colegio comentó: «Tenía un grupo cerrado de amigos; era buena alumna. Le encantaban los muchachos, pero cantar era lo número uno».[31]

Actriz entusiasta en los musicales escolares, Gaga encarnó a la protagonista Adelaide en Guys and Dolls y Philia en A Funny Thing Happened on the Way to the Forum.[32] Además, interpretó un papel pequeño de una compañera de colegio traviesa en la serie de televisión dramática Los Soprano en un episodio de 2001 titulado «The Telltale Moozadell».[33] A los 16 años comenzó a cantar y actuar frente a un público en directo y realizó audiciones carentes de éxito para obtener papeles en espectáculos de Nueva York.[25] Cuando finalizó su estadía en el Convent of the Sacred Heart, su madre le sugirió que aplicara en la Universidad de Nueva York para estudiar teatro e interpretación, específicamente en el Collaborative Arts Project 21 (CAP21), una facultad de la Tisch School of the Arts.[25]

A los diecisiete años, Gaga fue admitida y comenzó a vivir en una residencia para estudiantes en la 11th Street. Allí estudió música y escribió ensayos y monografías analíticas centrados en temas como el arte, la religión, temas sociales y política.[22] [34] Gaga escribió una tesis sobre los artistas del pop Spencer Tunick y Damien Hirst, una investigación que, en sus propias palabras, la preparó para su futura carrera centrada en «la música, el arte, el sexo y la fama».[35] Gaga consideraba que era más creativa que algunos de sus compañeros y afirmó: «Una vez que aprendes cómo pensar acerca del arte, puedes enseñarte a ti mismo».[25] En un curso de interpretación,[25] realizó audiciones exitosas durante su estadía en CAP21 para obtener papeles como el de una desprevenida comensal en una cena en la que se estaba filmando el reality show de MTV Boiling Points.[36] Sin embargo, hacia el segundo semestre de su segundo año allí, dejó la universidad para dedicarse a su carrera musical.[37] Su padre estuvo de acuerdo en pagar su alquiler durante un año, con la condición de que regresara a Tisch si no tenía éxito. La cantante afirmó al respecto: «Abandoné a mi familia entera, conseguí el departamento más barato que pude encontrar y comí mierda hasta que alguien me escuchara».[32

 

2004-2007: inicios de su carrera

Gaga abandonó la CAP21 a los diecinueve, en el último semestre de su segundo año allí y decidió centrarse en su carrera musical.[37] Instalada en un pequeño apartamento ubicado en la calle Rivington Street hacia el verano de 2005,[25] Gaga grabó un par de canciones con el cantante de hip hop Melle Mel para un libro de audio que acompañaba un cuento infantil llamado The Portal in the Park, escrito por Cricket Casey.[38] En septiembre de 2005 formó una banda llamada Stefani Germanotta Band, también conocida como SGBand, con algunos de sus amigos de la universidad de Nueva York. Estaba compuesta por Calvin Pia como guitarrista, Eli Silverman como bajista y Alex Beckham como baterista.[25] [32] La banda interpretaba diversas canciones; algunas escritas por ellos y otras pertenecientes a otros artistas, como «D'yer Mak'er» de Led Zeppelin.[25] Al tocar en bares como The Bitter End en Greenwich Village y Mercury Lounge en Lower East Side, la banda ganó una pequeña base de fanes y llamaron la atención del productor musical Joe Vulpis.[25] Poco después de concertar citas en su estudio en los meses siguientes, la banda vendió sus EP Words y Red and Blue (2005) en presentaciones en Nueva York y se convirtió en un exponente de la escena nocturna del corazón del Lower East Side.[32]

El grupo alcanzó la cima de su carrera en el espectáculo de 2006 del Salón de la Fama de los Compositores que tuvo lugar en The Cutting Room en junio. Allí el grupo conoció a la música Wendy Starland, que era la cazatalentos del productor Rob Fusari. Starland puso al tanto del talento de Gaga a Fusari y se puso en contacto con ella, dado que buscaba una cantante para formar una nueva banda. Cuando SGBand se disolvió, Gaga comenzó a viajar a diario a Nueva Jersey para trabajar en canciones que ya había compuesto y crear nuevo material con el productor.[25] Mientras colaboraban, Fusari comparó sus armonías vocales con las de Freddie Mercury, cantante de la banda Queen.[39] Además, fue quien ayudó a la cantante a crear el nombre artístico «Lady Gaga», originado en la canción «Radio Ga Ga» de Queen. La artista estaba pensando un seudónimo, cuando recibió un mensaje de texto del productor que decía «Lady Gaga».[40] Luego, mencionó: «Todos los días, cuando Stef llegaba al estudio, en vez de decirle "hola", empezaba a cantar "Radio Ga Ga"; era su canción de entrada». También aclaró más tarde que el mensaje de texto fue un error causado por una aplicación de texto predictivo, que cambió automáticamente radio por lady. La cantante respondió: «Eso es» y pidió: «No vuelvan a llamarme Stefani».[41] [40] Sin embargo, el periódico The New York Post afirmó que la historia es falsa y argumentó que el alias es el resultado de una estrategia de marketing.[31]

Aunque la relación musical entre Fusari y Gaga no tuvo éxito en un primer momento, la pareja pronto creó una asociación llamada Team Lovechild, en la cual grabaron y produjeron canciones de electro-pop para enviárselas a personas importantes de la industria musical.[25] Joshua Sarubin, el jefe de A&R y Def Jam Recordings dio una respuesta positiva y abogó por que la compañía le diera una oportunidad a sus actuaciones «infrecuentes y provocativas». Tras que su gerente, Antonio «L.A.» Reid, accediera, Gaga firmó con Def Jam en septiembre de 2006, con la intención de terminar un álbum en nueve meses.[25] Sin embargo, fue despedida tres meses después; en este período desafortunado de su vida se inspiraría luego el video de su sencillo de 2011 «Marry the Night».[42] [43] Devastada por la situación, la cantante regresó para Navidad a su hogar familiar y a la cultura de la vida nocturna de Lower East Side.[25

Fascinada con algunas muestras del nuevo burlesque, Gaga comenzó a bailar gogó en bares con poco más que un bikini.[25] Además de eso, comenzó a experimentar con drogas mientras realizaba muchos espectáculos.[26] Su padre, sin embargo, no entendía la razón detrás de dicha práctica y no pudo mirarla fijamente a la cara durante varios meses.[26] [41] Al respecto, la cantante declaró que «estaba en el escenario en ojotas, con unos flecos colgando sobre mi trasero que creía que lo tapaban, quemando [aerosoles de] laca, bailando gogó con [música de] Black Sabbath y cantando canciones sobre el sexo oral. Los chicos gritarían y festejarían y luego iríamos todos a tomar una cerveza. Esto representaba la libertad para mí. Fui a una escuela católica, pero fue en la clandestinidad de Nueva York donde me encontré a mí misma».[35] Fue en ese entonces cuando inició una relación amorosa con un baterista de heavy metal y comparó su ruptura con un diálogo del musical Grease: «Yo era su Sandy, él era mi Danny y simplemente cortamos». Luego, este amante se convirtió en una inspiración para canciones posteriores.[44]

En este período, la cantante conoció a la artista Lady Starlight, quien la ayudó a crear su imagen en el escenario.[45] Starlight explicó que, tras su primera reunión, Gaga quería presentarse en vivo con Starlight para cantar las canciones grabadas por Fusari. De esta forma, el dúo comenzó a hacer presentaciones bajo el nombre de «Lady Gaga and the Starlight Revue» en clubes como Mercury Lounge, The Bitter End y el Rockwood Music Hall.[46] [47] La actuación se presentaba como «el último espectáculo increíble y explosivo de burlesque» y era un tributo de estilo low-fi a los espectáculos de variedades de la década de 1970.[48] [49] Poco después, fueron invitadas a tocar en el festival Lollapalooza, que tuvo lugar el 3 y 5 de agosto de 2007.[50] El concierto fue elogiado por la crítica y recibió reseñas positivas.[22] [46] Tras haberse centrado inicialmente en el vanguardismo de la música electrónica y el dance, Gaga encontró su nicho musical cuando comenzó a incorporar elementos del pop y del glam rock de David Bowie y Queen en su música.[51]

Al principio se comparaba mucho a Gaga con la cantante Christina Aguilera, dado que poseían el mismo estilo. De hecho, ella misma mencionó varias veces que gracias a las comparaciones con esta cantante se hizo famosa.[52] [53] Mientras Starlight y Gaga estaban haciendo sus presentaciones, el productor Rob Fusari continuó trabajando con las canciones hechas con la segunda. El productor envió su trabajo a su amigo Vincent Herbert, un productor y ejecutivo.[54] Herbert rápidamente le hizo firmar un contrato para su sello Streamline Records, perteneciente a Interscope Records.[55] Gaga afirmó que Herbert fue quien la descubrió y comentó al respecto que «realmente siento que hemos hecho historia [en el] pop y lo seguiremos haciendo».[54] Luego de haber trabajado de compositora aprendiz en una pasantía en la Famous Music Publishing, adquirida más tardepor Sony/ATV Music Publishing, Gaga firmó un contrato como editora de música con Sony/ATV.[56] Como resultado, se la contrató para escribir canciones para artistas como Britney Spears y compañeros de su sello discográfico como New Kids on the Block, Fergie y The Pussycat Dolls.[56] En Interscope, el artista Akon reconoció su talento vocal cuando ella cantó una parte de uno de sus temas en el estudio.[57] Más tarde, convenció al director ejecutivo y presidente de Interscope-Geffen-A&M, Jimmy Iovine, para que firme un contrato con su sello Kon Live Distribution y la llamó luego su «jugadora de franquicia».[42] [58]

Hacia fines de 2007, su mánager le presentó a un compositor y productor musical llamado Nadir «RedOne» Khayat, también perteneciente a Interscope.[59] La primera canción que escribió con el productor fue «Boys, Boys, Boys», un mash-up de «Girls, Girls, Girls» de a Mötley Crüe y «T.N.T.» de AC/DC.[41] Gaga continuó trabajando en el estudio con RedOne durante una semana para preparar su álbum debut.[56] Mientras tanto, se incorporó al sello Cherrytree Records, perteneciente a Interscope y creado por el compositor y productor Martin Kierszenbaum. Con él compuso cuatro canciones para su primer disco, entre las que se encuentra el sencillo «Eh, Eh (Nothing Else I Can Say)».[56] Pese a su seguridad en cuanto a los asuntos de grabación, confesó que existía cierto temor a que fuera demasiado «subida de tono», «orientada hacia el dance» y «underground» para el mercado del mainstream. Su respuesta a eso fue: «Mi nombre es Lady Gaga, estuve en la escena musical durante años y te digo, esto es lo que se viene».[27]

 

 

2007-2010: The Fame y The Fame Monster

Hacia 2008, Gaga se mudó a Los Ángeles con la finalidad de enfocarse más en el trabajo para terminar su álbum debut y organizar su propio equipo creativo, Haus of Gaga, basado en la Factory de Andy Warhol.[41] [60] The Fame se lanzó el 19 de agosto de 2008 y tuvo poca radiodifusión. Gaga lo promocionó a través de conciertos a lo largo de Europa y Estados Unidos en discotecas gay pequeñas y fue también telonera en las presentaciones en dicho país de New Kids on the Block.[61] [62] Un «éxito durmiente», el sencillo «Just Dance» salió a la venta cuatro meses antes del lanzamiento del álbum, pero sólo llegó a la cima de las listas internacionales en enero de 2009, lo que hizo que The Fame tuviese éxito inmediatamente. La canción estuvo nominada en los premios Grammy en la categoría de mejor grabación de dance y se convirtió en uno de los sencillos más vendidos a nivel mundial de dicho año.[61] [63] Gaga tuvo un éxito enorme e inesperado con «Poker Face», otro «éxito durmiente», que alcanzó el primer puesto en la mayoría de las listas de éxitos a nivel mundial a principios de 2009.[64] Esta canción ganó en la categoría de mejor grabación de dance en la ceremonia de los premios Grammy de 2010 y estuvo nominada en las categorías de canción del año y grabación del año.[65]

The Fame estuvo nominado en la categoría de álbum del año y ganó el premio al mejor álbum de dance/electrónica en la misma ceremonia.[66] La crítica contemporánea elogió el álbum y lo describió como una exploración de la obsesión de Gaga con la fama y las complejidades de un estilo de vida donde esta y la riqueza juegan un papel importante. También resaltaron su combinación de géneros musicales y comentaron que el contenido del disco «va desde la batería de Def Leppard y aplausos hasta una batería de [heavy] metal en temas urbanos» y resaltaron su inspiración en el synthpop de la década de 1980 y la incorporación de música dance con ganchos melódicos definidos.[42] The Fame llegó al primer lugar en Austria, Canadá, Alemania, Irlanda, Suiza y el Reino Unido, además de ingresar al top 5 en Australia, Estados Unidos y otros quince países.[67] [68] Además, estuvo en la cima de la lista Dance/Electronic Albums 106 semanas no consecutivas y, desde su lanzamiento, ha vendido más de doce millones de copias a nivel mundial.[8] Debido al éxito del disco, Gaga recibió numerosos reconocimientos en 2009, tales como el premio de la revista Billboard a la «estrella en ascenso» y nueve nominaciones en los MTV Video Music Awards de dicho año, de las que ganó el premio a mejor artista nuevo por el video de «Poker Face», y mejor dirección artística y mejores efectos especiales por el video del sencillo «Paparazzi».[69] [70] Además de hacer de telonera en la gira de Pussycat Dolls Doll Domination Tour durante el primer semestre de 2009 en Europa y Oceanía, Gaga realizó una gira de seis meses titulada The Fame Ball Tour, que tuvo lugar entre marzo y septiembre de 2009 y fue elogiada por la crítica.[71] [72]

Durante sus viajes por el mundo compuso las canciones de The Fame Monster, un EP de ocho temas lanzado en noviembre de 2009. Cada canción, que habla sobre el lado oscuro de la fama desde la experiencia personal, posee alguna una metáfora sobre monstruos. Su sencillo principal, «Bad Romance» hizo que Gaga se convirtiera en la primera artista de la historia en tener tres sencillos —el mencionado, junto con «Just Dance» y «Poker Face»— en superar los cuatro millones de copias vendidas en formato digital. Además, llegó al primer lugar en las listas de dieciocho países y al top 2 en los Estados Unidos, Australia y Nueva Zelanda. Además, ganó el premio Grammy a la mejor interpretación femenina vocal de pop y al mejor video musical de formato corto.[73] El segundo sencillo, «Telephone», que cantó junto con Beyoncé, estuvo nominado en la categoría de mejor colaboración vocal de pop y fue el cuarto sencillo número uno de Gaga en el Reino Unido. Su video musical, aunque fue controvertido, tuvo reseñas positivas de la crítica contemporánea. Entre ellas, en una se comentó que la artista posee «el estilo musical y el carisma de Michael Jackson y la sexualidad potente y los instintos provocativos de Madonna».[74] [75] Para su siguiente sencillo, «Alejandro», Gaga trabajó con el fotógrafo de moda Steven Klein y produjeron un video que igualmente suscitó polémicas. La crítica elogió sus conceptos y su naturaleza oscura, pero la Liga Católica la atacó por sus presuntas blasfemias.[76] Pese a las controversias en torno a ellos, los videos han sido vistos millones de veces en el sitio YouTube.[77] En la ceremonia de 2010 de los MTV Video Music Awards, Gaga ganó ocho premios de trece nominaciones, entre los que se cuenta el premio al video del año por «Bad Romance». El hecho de que «Telephone», que la hizo acreedora del premio a mejor colaboración, también estuviera nominado hizo de Gaga la primera artista con dos nominaciones en la categoría.[78] [79] Además, The Fame Monster tuvo un total de seis nominaciones en la ceremonia de los premios Grammy de ese año. La cantante ganó finalmente tres premios, uno en la categoría de mejor álbum de pop vocal por The Fame Monster y dos en las categorías de mejor interpretación femenina vocal de pop y otro en la de mejor video musical de formato corto por «Bad Romance».[80] [81]